Del archivo al set: cómo se usa la impresión 3D en cine, TV y publicidad
Un director pide una pistola de rayos.
No dentro de tres semanas.
Para mañana.
Es el rodaje de Star Trek, la película de J.J. Abrams de 2009. Russell Bobbitt, responsable de utilería, recibe la petición y termina frente a algo que entonces todavía no era precisamente habitual en un departamento de props: una impresora 3D.
Diseñan la pistola en CAD, mandan el archivo a imprimir y al día siguiente tienen el objeto físico. Pintura rápida y a cámara. Sin hacer primero un molde ni pasar por un proceso de fundición.
Bobbitt recuerda que entre la idea y el objeto listo para utilizar habían transcurrido unas 24 horas.
Ese pequeño episodio explica bastante bien por qué la impresión 3D encontró un lugar detrás de las cámaras.
No porque una impresora pueda fabricar cosas “futuristas”.
Sino porque en una producción el tiempo también es un material.
¿Cómo se utiliza la impresión 3D en cine y producciones audiovisuales?
La impresión 3D se utiliza en cine, televisión y publicidad para fabricar props y utilería, prototipos, maquetas, elementos de escenografía, componentes de vestuario, moldes, prótesis, criaturas y piezas personalizadas. También permite validar un diseño antes de producirlo, fabricar duplicados y modificar rápidamente un objeto cuando cambian las necesidades del rodaje.
Y hay algo importante: no todo lo que se imprime termina apareciendo delante de la cámara.
A veces la impresión es solamente un paso intermedio.
Ahí empieza la parte interesante.
De una idea de J.J. Abrams a una herramienta habitual de Marvel
Después de aquella experiencia en Star Trek, Russell Bobbitt incorporó la fabricación aditiva a trabajos posteriores.
Su siguiente terreno de juego sería considerablemente más grande: Marvel Studios.
Bobbitt estima que, en promedio, unos 1000 props por película de Marvel pueden involucrar impresión 3D en alguna fase de su fabricación. La palabra importante es “involucrar”. No significa que cien objetos salgan terminados de una impresora y entren directamente al set. La tecnología puede intervenir en un prototipo, una pieza del ensamblaje, un master, una versión de prueba o el objeto final.
El Arc Reactor de Tony Stark es un buen ejemplo de ese proceso iterativo.
Según Bobbitt, Robert Downey Jr. participaba activamente en su desarrollo. Diseño, impresión, prueba visual, prueba mecánica, cambios. Otra vuelta.
El archivo digital deja de ser solamente una representación del prop. Se convierte en una especie de molde maestro editable.
Cambiar dos milímetros ya no significa necesariamente volver al principio.
Stormbreaker: 34 piezas para construir un solo objeto
En Avengers: Infinity War, Thor recibe Stormbreaker.
En pantalla es un arma gigantesca.
Fuera de pantalla fue también un problema de fabricación.
Bobbitt explicó que el prop fue impreso en 34 piezas diferentes, ensambladas posteriormente.
Esto derriba una idea frecuente sobre la impresión 3D: que el tamaño máximo de la máquina determina el tamaño máximo del objeto.
No necesariamente.
Un objeto grande puede diseñarse para ser dividido digitalmente, incorporando zonas de unión, refuerzos o piezas internas. Después se imprime por segmentos, se ensambla, se resana y se termina.
La cama de impresión pone un límite a cada impresión.
No necesariamente al prop.
¿Qué aprende una producción de Stormbreaker?
Que el diseño puede pensarse desde el principio para la fabricación.
No se trata únicamente de preguntar:
“¿Podemos imprimirlo?”
También:
“¿Cómo conviene dividirlo?”
“¿Dónde no verá la cámara una unión?”
“¿Qué parte necesita resistencia?”
“¿Qué parte puede ser hueca?”
“¿Qué tendrá que sostener el actor?”
Ese diálogo entre diseño y fabricación es donde la impresión 3D empieza a ser realmente útil.
El Demogorgon y algo que un render no puede hacer
Aaron Sims llevaba mucho tiempo trabajando con maquetas físicas antes de que los departamentos creativos se llenaran de ZBrush, Maya y renders.
En Aaron Sims Creative, el estudio responsable del diseño del Demogorgon de la primera temporada de Stranger Things, empezaron a utilizar impresión SLA para devolver algo físico al proceso digital.
El Demogorgon fue uno de los primeros modelos que imprimieron internamente.
El flujo era sencillo en concepto: comenzar con impresiones pequeñas, revisar el diseño y, una vez resueltos los problemas, producir una maqueta mayor que pudiera ensamblarse, pintarse y presentarse al director.
Y aquí aparece una aplicación que suele quedar fuera de las conversaciones sobre impresión 3D:
imprimir para decidir
Un render permite observar una criatura.
Una maqueta permite rodearla.
Colocarla bajo otra luz.
Compararla con una mano.
Ver realmente cuánto ocupa.
Notar que una pierna parece demasiado larga o que la cabeza pierde fuerza desde determinado ángulo.
Aaron Sims lo resumía desde una idea muy física: cuando puedes sostener el objeto, girarlo y tocar su superficie, la percepción cambia.
Para un departamento de arte, esa diferencia puede evitar que ciertas discusiones continúen hasta el último momento.
¿Qué aprende una producción del Demogorgon?
Que una impresión 3D no tiene que ser un objeto final.
Puede ser una conversación que se puede poner encima de la mesa.
The Mandalorian: CGI e impresión 3D en la misma nave
Uno podría imaginar que una serie asociada a StageCraft, escenarios LED y efectos digitales avanzados tendría poco interés en volver a fabricar miniaturas físicas.
Y entonces aparece el Razor Crest.
Para la primera temporada de The Mandalorian, Industrial Light & Magic construyó una miniatura física de la nave. El model maker John Goodson combinó técnicas tradicionales con impresión 3D y añadió iluminación LED. John Knoll construyó además un sistema de motion control para fotografiarla.
La idea comenzó en parte como referencia para estudiar cómo debía comportarse la superficie metálica de la nave.
Después alguien hizo la pregunta inevitable:
¿Y si la filmamos de verdad?
Terminaron haciéndolo.
Documentación posterior de Lucasfilm explica que la miniatura original medía unas 24 pulgadas. El proyecto siguió evolucionando hasta producir incluso modelos mayores para trabajos posteriores, combinando planificación digital, modelos físicos, motion control y retoque CGI.
Esto importa porque destruye una falsa pelea tecnológica.
CGI contra efectos prácticos.
Digital contra artesanal.
Impresión 3D contra model making.
En una producción real, la respuesta puede ser simplemente:
los tres.
¿Qué aprende una producción del Razor Crest?
Que la fabricación digital no necesariamente reemplaza las técnicas tradicionales.
Puede devolverles nuevas posibilidades.
Raised by Wolves: lo impreso ni siquiera tiene que aparecer en cámara
En Raised by Wolves, Dreamsmith Studio y su fundador Jaco Snyman llevaron esa lógica todavía más lejos.
El equipo utilizó modelado 3D e impresión tanto para prototipos como para piezas finales, pero también para moldes negativos.
Uno de los ejemplos más claros fue un feto alienígena.
Primero se esculpió digitalmente. Después imprimieron una versión en resina gris para enseñársela al director.
Una vez aprobada, imprimieron el molde negativo y utilizaron ese molde para producir en silicona la pieza que finalmente necesitaban.
Snyman estima que los moldes del feto pudieron realizarse en unos dos o tres días, mientras que la fabricación tradicional habría requerido, según él, al menos el doble.
Eso cambia nuestra definición de “pieza impresa”.
La impresora puede fabricar:
el objeto,
el prototipo,
el master,
el molde,
una plantilla,
una herramienta,
o una geometría que desaparecerá completamente del proceso antes de que alguien grite “acción”.
En la misma producción, Dreamsmith utilizó estas técnicas para cabezas de androides, estructuras anatómicas, costillas, máscaras, manos mecánicas y otros componentes. En algunos casos empleó FDM para piezas mayores o moldes y SLA cuando necesitaba mayor detalle o un acabado más fino.
¿Qué aprende una producción de Raised by Wolves?
Que preguntar “¿esto puede imprimirse?” a veces es la pregunta equivocada.
La mejor puede ser:
“¿Qué parte del proceso tiene sentido imprimir?”
LAIKA: cuando miles de expresiones pasan por una impresora
El stop motion ofrece otro ejemplo completamente distinto.
LAIKA lleva años combinando animación artesanal con fabricación digital para crear caras intercambiables destinadas a sus marionetas.
Según Stratasys, Coraline utilizó aproximadamente 20,000 caras, ParaNorman 40,000, The Boxtrolls 56,000 y Kubo and the Two Strings unas 64,000.
En Missing Link, Stratasys afirma que se imprimieron más de 300,000 piezas, desde expresiones faciales hasta pequeños componentes del set.
Aquí la impresión 3D no sirve para fabricar una única pieza espectacular.
Sirve para convertir diferencias diminutas en actuación.
Una ceja.
Una boca.
Una expresión intermedia que dura unos cuantos fotogramas.
Tecnología industrial para conseguir algo profundamente humano: una emoción.
Son las 18:40 y mañana se rueda
Imaginemos una situación menos hollywoodense y probablemente más familiar para cualquier producción.
Son las 18:40.
El prop está aprobado.
Mañana entra a cámara.
Entonces llega un cambio.
El director quiere que sea 15 % más grande.
El actor necesita sostenerlo con una sola mano.
Ahora hace falta espacio interior para una batería.
Y, ya que estamos, producción acaba de pedir tres copias adicionales.
Con un flujo completamente físico, algunos de esos cambios pueden obligar a rehacer bastante trabajo.
Con un flujo digital, ciertas modificaciones pueden ocurrir en el archivo:
escala,
espesor,
huecos,
uniones,
componentes,
posición de elementos.
Se genera una nueva versión y comienza otra fabricación.
La impresión tampoco hace desaparecer mágicamente las horas de máquina. Pero reduce el costo de algunos tipos de cambio.
Y en una producción, poder cambiar de opinión tiene valor económico.
Un prop hero rara vez quiere estar solo
Un objeto importante puede necesitar más de una versión.
Puede romperse.
Puede caer.
Puede ensuciarse.
Puede necesitar una versión ligera para acción.
Otra sin mecanismo.
Otra preparada para stunt.
Quizá dos unidades estén filmando simultáneamente.
En Raised by Wolves, Snyman explica que suele intentar fabricar al menos dos ejemplares de una pieza final, uno para escena y otro como respaldo.
Tener un modelo digital facilita repetir geometrías.
Eso no significa que dos props terminados sean molecularmente idénticos. Si después hay ensamblaje manual, lijado, pintura, envejecimiento o mecanismos internos, seguirán existiendo diferencias.
Pero al menos ya no se empieza de una fotografía y una cinta métrica.
Se empieza del mismo archivo.
¿Qué puede fabricarse para una producción audiovisual?
La lista es bastante más larga que “figuras”.
En utilería: controles, dispositivos ficticios, armas de fantasía, paneles, herramientas, mecanismos visuales, artefactos y piezas hero.
En escenografía: ornamentos, molduras, reproducciones, elementos arquitectónicos, componentes repetitivos y masters destinados posteriormente a molde.
En vestuario: hebillas, broches, cascos, armaduras, máscaras, joyería de ficción y accesorios rígidos.
En criaturas y maquillaje: maquetas, dientes, cuernos, esqueletos, estructuras anatómicas, moldes y elementos protésicos.
En miniaturas: vehículos, edificios, maquinaria y naves.
Y en publicidad aparece un escenario especialmente útil.
La agencia presenta un objeto que no existe.
Quizá un producto conceptual.
Un envase imposible.
Un control ficticio.
Una versión gigante de un objeto cotidiano.
Cinco variantes para que el director escoja una.
Entonces el recorrido puede ser:
idea → modelado 3D → prototipo → revisión → modificación → impresión → acabado → set
En publicidad, donde a veces el calendario parece escrito por alguien que detesta los calendarios, esa capacidad de iteración puede ser más valiosa que el precio del plástico.
FDM, SLA y SLS: tres herramientas, no tres bandos
Para muchas piezas grandes, estructuras internas, prototipos y superficies que recibirán bastante postprocesado, FDM/FFF tiene mucho sentido.
Deposita filamento capa por capa y puede ser especialmente práctico cuando importa el volumen.
SLA trabaja con resina y suele elegirse cuando el detalle superficial, las geometrías pequeñas o los masters necesitan mayor definición. El trabajo de Aaron Sims Creative y Dreamsmith muestra aplicaciones directas en maquetas, prótesis y piezas finales.
SLS puede producir piezas de geometría compleja sin depender de estructuras de soporte convencionales, por lo que tiene aplicaciones interesantes para componentes resistentes o funcionales.
La decisión correcta no empieza preguntando cuál impresora es “mejor”.
Empieza preguntando qué tiene que hacer la pieza.
Y qué verá la cámara.
¿La impresión 3D es más barata?
No necesariamente.
Una pieza puede necesitar muchas horas de máquina.
El modelado tiene un costo.
También el material, las fallas, los soportes, el ensamblaje y el postprocesado.
Una escultura tradicional puede ser mucho más rápida en ciertas geometrías.
Una pieza metálica quizá tenga más sentido fabricada directamente en metal.
Para muchas copias, un molde tradicional puede ganar con claridad.
La impresión 3D encuentra su zona fuerte cuando aparecen factores como:
geometría complicada,
pocas unidades,
personalización,
duplicación,
iteraciones,
plazos cortos,
o simplemente la necesidad de fabricar algo que no existe en ningún catálogo.
El ahorro, cuando existe, se calcula contra la alternativa real.
No contra una promesa de marketing.
La impresora termina. El prop todavía no
Una pieza recién impresa puede tener líneas de capa, marcas de soporte, costuras y uniones.
La cámara no está obligada a perdonarlas.
Por eso el trabajo puede continuar con resane, lijado, primer, pintura, aerografía, metalizado, barnices, patinas, envejecimiento, electrónica y ensamblaje.
La fabricación digital produce geometría.
El departamento de arte tiene que convertir esa geometría en materia narrativa.
Algo que parezca haber vivido veinte años en una nave espacial.
Algo fabricado ayer que parezca oxidado desde 1978.
Un artefacto inexistente que, durante cinco segundos, convenza al espectador de que siempre perteneció a ese universo.
Es probablemente la parte menos tecnológica de todo el proceso.
Y también una de las más importantes.
Entonces, ¿la impresión 3D sustituirá a los artesanos?
La evidencia de estos casos apunta más bien a otra dirección.
En el Razor Crest conviven impresión 3D, model making, iluminación, motion control y efectos digitales.
En Raised by Wolves, fabricación tradicional, silicona, pintura, moldes e impresión se mezclan dentro del mismo flujo. Dreamsmith incluso describe expresamente procesos híbridos donde ninguna técnica habría sido tan conveniente por sí sola.
LAIKA mezcla una tecnología de fabricación extremadamente precisa con una de las formas más manuales de hacer cine que existen: mover físicamente una marioneta fotograma a fotograma.
Así que quizá la comparación correcta no sea impresora contra artesano.
Es impresora en manos del artesano.
Preguntas frecuentes
¿Para qué se utiliza la impresión 3D en una película?
Para fabricar y prototipar utilería, maquetas, moldes, partes de escenografía, componentes de vestuario, criaturas, prótesis, miniaturas y elementos personalizados. También puede emplearse en herramientas y masters que nunca aparecerán en cámara.
¿Los props impresos en 3D se usan directamente en cámara?
Algunos sí. Otros necesitan ensamblaje, pintura y acabados. En otros casos la impresión solamente sirve para fabricar un prototipo o un molde del que saldrá posteriormente la pieza final.
¿Puede imprimirse algo más grande que la impresora?
Sí. El modelo puede dividirse digitalmente en varias partes, imprimirse por segmentos y después ensamblarse. Stormbreaker, por ejemplo, fue producido en 34 piezas impresas.
¿Qué tipo de impresión 3D se utiliza para props?
Depende del resultado. FDM es frecuente en piezas voluminosas y elementos que serán postprocesados. SLA es especialmente útil cuando se necesita detalle. Existen también tecnologías industriales como SLS y PolyJet para otras necesidades.
¿La impresión 3D siempre reduce el costo?
No. Depende de cantidad, escala, complejidad, material, acabado y método alternativo de fabricación.
¿Puede utilizarse impresión 3D en publicidad?
Sí. Resulta especialmente útil para objetos conceptuales, productos ficticios, modificaciones rápidas, prototipos, displays y utilería personalizada cuando el objeto solicitado no existe comercialmente.
Lo importante quizá sea que nadie lo note
Una buena pieza de utilería no entra en escena para demostrar cómo fue fabricada.
Tiene que hacer exactamente lo contrario.
Desaparecer.
El espectador no debería pensar en resina, filamento, ZBrush, soportes, pegamento o archivos STL.
Debería creer que Thor realmente puede levantar Stormbreaker.
Que el Demogorgon existe al otro lado de una pared.
Que el Razor Crest lleva años recorriendo planetas.
Que el dispositivo que un actor sostiene entre las manos fue construido dentro de ese universo y no en un taller unas horas antes.
Cuando la impresión 3D funciona bien dentro de una producción, probablemente nadie en la butaca se dará cuenta.
Y ése es precisamente el trabajo.